Радостный майЖуковский Станислав, 1912 годГосударственная Третьяковская галерея, Москва96 x 132 см.Тема усадьбы была главной для Жуковского — возможно, это память о детстве или генетическая тяга к уютному дому. Его называли певцом русской усадьбы, ведь в его интерьерах оживает не только быт, но и живая атмосфера времени.Эта картина — идеальный пример: солнечный майский свет скользит в раскрытые окна, наполняя комнату свежестью, пением птиц и запахами оттаявшей земли. Пастельные тона, старинная мебель, портреты на стенах создают гармонию цвета и настроения, передавая трепетное очарование первых весенних дней на даче.Жуковский учит видеть красоту в привычном и тихом, где каждый уголок дома и сада становится частью целого эмоционального образа.Музеи мира
На бульвареМаковский Владимир, 1887 годГосударственная Третьяковская галерея, Москва54,2 x 69 см.Маковский — мастер жанровой живописи, который показывал жизнь всех социальных слоев России XIX века. На картине он запечатлел встречу семьи на Сретенском бульваре: подвыпивший мастеровой с гармошкой и грустная жена с младенцем, приехавшая в город на заработки.После отмены крепостного права крестьяне часто сталкивались с трудностями городской жизни: родные устои рушились, привычный мир терялся, и многие становились жертвами больших городов. Маковский показывает это через неприкосновенно тихую, но драматичную сцену.Осенний пейзаж — мокрые крыши, пожелтевшая листва, редкие прохожие — создаёт лирику и настроение встречи, которая, кажется, продлится недолго.❤️ — если согласны, что Маковский умел сочетать реализм и эмоциональную глубину, делая повседневное искусствомМузеи мира
Крестьянский дворикСеров Валентин, 1886 годГосударственная Третьяковская галерея, Москва51 x 75,8 см.Эта работа, написанная, когда художнику было всего 21 год, стала первым шагом к зрелому мастерству. Серов создал её в селе Едимоново на берегу Волги, где летом жили и работали его мать Валентина Серов и друзья-единомышленники.В картине поражает игра солнечных лучей, проникающих в тёмный сарай, и тихая поэзия крестьянского быта. Простая сцена — женщина за повседневным трудом — наполнена теплом, гармонией и уважением к деревенской жизни.Игорь Грабарь позже назвал мастера «крестьянским Серовым», ведь именно он сумел увидеть красоту и достоинство в обыденном.Музеи мира
КрымНестеров Михаил, 1926 годГосударственная Третьяковская галерея, Москва26,2 x 18,4 см.В 1926 году жизнь Нестерова была особенно трудной: семья испытывала нужду, картины продавались плохо, а смерть В.М. Васнецова, с которым художника связывали многолетняя дружба и совместная работа над храмовыми росписями, стала для него тяжелым ударом. В это время Комиссия улучшения быта учёных (КУБУ) выделила средства, чтобы Нестеров мог поправить здоровье в Крыму. В ноябре он отправился на отдых и признавался другу Турыгину: «Я только теперь, здесь, в Гаспре, увидел, до чего я устал за год». Силы постепенно возвращались, вместе с ними пробуждалось и желание работать. В конце месяца он писал жене, что успел создать четырнадцать этюдов, среди которых, вероятно, был и «Крым».Несмотря на позднюю осень, художник отмечал прекрасную погоду, хотя листья за три недели уже облетели. Сквозь тонкие ветви деревьев он изобразил крымский домик за высоким каменным забором, а справа на переднем плане поместил вечнозелёный кипарис. В картине зрелого периода мотив воплощён в реальном пейзажном образе. Работа написана изящно, с применением плотного многослойного письма и характерной палитры, построенной на сложных сочетаниях зелёно-охристых и изумрудно-зелёных тонов.
В Петропавловской церкви города Плёса. ЭтюдКувшинникова Софья, 1888 годГосударственная Третьяковская галерея, Москва25 x 32 см.Во время прогулок по Плёсу художников привлекала деревянная церковь XVII века в честь святых апостолов Петра и Павла, возвышавшаяся на одном из холмов города. Несмотря на её ветхость, для живописцев отец Яков и «старенький, словно обросший мхом дьячок» открыли скрипучие двери и отслужили службу. В полумраке зажглись свечи, древний иконостас и старинные образы наполнили пространство тихим светом, голоса слились с глухими ударами «маленького охрипшего колокола». Всё это создавало особую возвышенную атмосферу, глубоко запечатлевшуюся в памяти участников.Именно тогда Левитан и Софья Кувшинникова оставили в этюдах живописные свидетельства убранства старой сельской церкви. Работа Кувшинниковой «В Петропавловской церкви города Плёса, на Волге» была показана в 1889 году на выставке Московского общества любителей художеств и приобретена П.М. Третьяковым. Для художницы это событие стало важной вехой, и Антон Чехов поздравил её тёплыми словами о том, что каждая картина, попавшая в галерею, приумножает духовное богатство страны.Этюд, выдержанный в коричнево-охристых тонах, бережно передает настроение старинного деревянного храма. В 1897 году Кувшинникова снова вернулась в Плёс и вновь написала интерьер любимой Петропавловской церкви — уже как самостоятельный творческий шаг, отражённый сегодня в коллекции Плёсского музея-заповедника.
Серый денекВаснецов Аполлинарий,1883 годГосударственная Третьяковская галерея, Москва54,5 x 89,5 см.Аполлинарий Васнецов вошёл в историю русского искусства как мастер лирического и монументально-эпического пейзажа, а также создатель историко-бытового жанра, воспевавший старинную архитектуру и жизнь древней Москвы. Он не получил систематического профессионального образования, но сумел самостоятельно овладеть художественным мастерством. Большую роль в становлении его таланта сыграл старший брат Виктор, оказавший сильное влияние на его первые шаги в живописи. Наряду с занятиями с братом, Васнецов внимательно изучал творчество художников-передвижников, вглядывался в их полотна, перенимая индивидуальные особенности их художественной манеры. Особое впечатление на него произвели пейзажи Ивана Шишкина и мастерство Архипа Куинджи, у которого он перенял умение передавать глубину пространства и движение облаков.Картина «Серый денек» («Серенький день») стала важным этапом в его творчестве и принесла успех на 11-й выставке Товарищества передвижных художественных выставок 1883–1884 годов, где её приобрёл Павел Третьяков для своей галереи. Пейзаж был написан по этюдам, созданным во время путешествия в Финляндию в 1881 году. Сам художник отмечал, что в то время ему были особенно свойственны воображение, фантазия и мечтательность, что отразилось в поэтическом образе природы.В композиции картины использован мотив одинокого дерева и путника, идущего по извилистой тропинке, что позволяло зрителю мысленно углубляться в пространство полотна. Этот приём был характерен и для Фёдора Васильева, Алексея Саврасова, Исаака Левитана. Цветовое решение с мягкими зеленовато-серыми тонами передаёт суровый колорит северной природы, воздушную глубину и атмосферу пасмурного дождливого дня на берегу Финского залива. Едва различимая фигура человека сочетается с парящей птицей и далёким белым парусом, создавая настроение тишины, одиночества и ожидания.
После грозыБорис Кустодиев, 1921 год.Уютный, почти сказочный пейзаж. Яркая синева заливает все пространство. Небо перекликается с рекой. Лубочная, нереально красивая радуга помещена в самый центр композиции. Голубому цвету уступает даже буйная летняя зелень. Вся картина насыщена сюжетами: группа купальщиц наслаждается послегрозовой свежестью реки, пожар в деревне, на помощь погорельцам спешат односельчане, пара мужиков заметивших пожар с другого берега реки.Кустодиев пренебрегает законами перспективы, искажает пространство. Это любимый прием художников модернизма. Используя спектрально чистые краски, автор делает свою работу близкой по духу народному русскому изобразительному искусству - лубку. Стоит повнимательней вглядеться в картину, чтобы понять, что перед нами совсем не пейзаж, а картина деревенской жизни, полный драматизма момент на фоне сказочно красивой послегрозовой природы.Музеи мира
КлиптикЭнтони ХоуВ XX веке изобразительному искусству удалось преодолеть одну из своих основополагающих характеристик: статичность. Кинетическое искусство — запускает новую эпоху в искусстве, эпоху, где произведение может двигаться, звучать и даже навсегда разрушать само себя.Энтони Хоу (Anthony Howe, 1954 г.р.) — американский скульптор, изготавливающий автономные кинетические скульптуры, движимые силой ветра. Энтони получил художественное образование в Корнелльском университете и Skowhegan School of Painting and Sculpture. Начал свою творческую карьеру в 1979—1985 годах, в качестве художника. Рисовал пейзажи, которые выставлялись в 'Gallery on the Green' , Массачусетс.В 1985 году Энтони Хоу переезжает в Нью-Йорк и начинает заниматься кинетическими скульптурами. В 1994 году он переезжает на остров Оркас архипелага Сан-Хуан (штат Вашингтон), где открывает собственную галерею. Широкую известность работы Хоу получили в конце 1990-х годов.Музеи мира
Kinetic DressЭнтони ХоуЭнтони Хоу рассказывает: «Я занимаюсь создание автономных кинетических скульптур, взаимодействующих с ветром и светом окружающей среды. Я пытаюсь создать объекты, внешний вид которых напоминает низкотехнологичное научно-фантастическое оборудование, астрономические или микробиологические модели». Хоу свои работы начинает с цифрового 3D моделирования, затем стальные элементы скульптур изготавливаются при помощи плазменной резки и собираются при помощи традиционных технологий работы с металлом.Музеи мира
About FaceЭнтони Хоу«Меня утомило всё неподвижное в моём визуальном мире», — объясняет Хоу, считающий неподвижные скульптуры безжизненными.Работы автора известны во всем мире. «Я был шокирован тем, что мои работы имели вирусный эффект в сети. Никогда не думал, что интернет может это сделать.», — говорит Хоу.Впервые же кинетическое искусство было представлено на легендарной выставке 1955 года, устроенной в галерее современного искусства Дениз Рене в Париже, под названием Le Mouvement (движение) . Это знаковое событие, которое глубоко изменило всю историю искусства во второй половине XX-го века.Музеи мира
Арлекин, 1963Зебры, 1937Тау Дзета, 1964Виктор Вазарели«Оп-арт», или оптическое искусство — это направление в искусстве возникло в середине XX века.Художники этого направления поставили перед собой нетривиальную цель: создать иллюзию движения на двухмерной поверхности, используя геометрические узоры, контрасты и игру цветов на своих картинах.Оп-арт подвергает сомнению зрительное восприятие, ищет в нем ошибки и создает оптическую иллюзию. Человек, сам того не сознавая, видит картину не только на холсте, но автоматически создает в своей голове "несуществующий" образ. Это реакция зрительного аппарата на разрозненные и противоречивые конфигурации пятен, линий, цвета и ритмов. Глаз всегда стремится организовать всё это в целостную структуру.Cерия картин под названием «Зебра» Виктора Вазарели первые когда-либо созданные произведения оптического искусства.Музеи мираАрлекин, 1963Зебры, 1937Тау Дзета, 1964Виктор Вазарели«Оп-арт», или оптическое искусство — это направление в искусстве возникло в середине XX века.Художники этого направления поставили перед собой нетривиальную цель: создать иллюзию движения на двухмерной поверхности, используя геометрические узоры, контрасты и игру цветов на своих картинах.Оп-арт подвергает сомнению зрительное восприятие, ищет в нем ошибки и создает оптическую иллюзию. Человек, сам того не сознавая, видит картину не только на холсте, но автоматически создает в своей голове "несуществующий" образ. Это реакция зрительного аппарата на разрозненные и противоречивые конфигурации пятен, линий, цвета и ритмов. Глаз всегда стремится организовать всё это в целостную структуру.Cерия картин под названием «Зебра» Виктора Вазарели первые когда-либо созданные произведения оптического искусства.Музеи мира
Новости аукциона Sotheby'sКартина "Чейт-Стри 2,"Виктор Вазарели, 1971Оценка40,000 - 60,000 фунтов стерлинговАукцион состоится19 января 2024 14:00 по Гринвичу в ЛондонеВиктор Вазарели (1906-1997) — неординарный французский художник, который на протяжении всей своей жизни старался удивить зрителя и обмануть его мозг. Его работы поистине уникальны, а сам творец считается в мире основателем художественного направления "оп-арт".Художник родился в Венгрии. Учился в частной академии живописи в Будапеште, а в 1930г. эмигрировал во Францию и перебрался в Париж.Он стал успешным графическим дизайнером. Работал в нескольких крупных рекламных агентствах, занимаясь творчеством только по вечерам. В довоенный период Вазарели увлекался абстрактным экспрессионизмом и экспериментировал с кубистическими, футуристическими, экспрессионистскими, символическими и сюрреалистическими картинами.Музеи мира
Кинетические скульптуры «Strandbeests»Тео ЯнсенГолландский художник Тео Янсен уже 16 лет работает над кинетическими скульптурами, которые должны жить своей жизнью и передвигаться с помощью ветра. Каждое поколение «Strandbeests» (с голандского «Пляжные звери»), созданных Янсеном, эволюционирует и становится все более самостоятельными.Фактически, Янсен создал новый вид существ: его скульптуры не прикреплены к земле, не имеют моторов, их приводит в движение ветер и, перекатываясь, они путешествуют по пляжам Голландии. Художник хочет усовершенствовать их настолько, чтобы они могли жить без поломок и ремонта, умели разворачиваться перед опасными зыбучими песками и идти в другую сторону.Кинетическое искусство (греч. kinetikos — «движущийся») — направление в современном искусстве зародилось в 20–30-х годах XX века. Впервые произведения искусства стали двигаться и изменяться. Для этого используют движение ветра, воды, электромоторы, редукторы, тросы и многое другое.Музеи мира
Деревня на острове НаргенЮ. Клевер, 1881Русский музей, Санкт-ПерербургПрирода родной Прибалтики чаще всего вдохновляла пейзажиста. В 1879 году остров Нарген стал местом творческой экспедиции художника. Наргеновские пейзажи прославили имя художника ещё больше. Полотно «Лес на острове Нарген» («Девственный лес») было приобретено Павлом Третьяковым. Картину «Лес зимой» купил император Александр III, а полотно «Остров Нарген» — великий князь Алексей Александрович. Известность и успех Клевера составляли конкуренцию многим знаменитым художникам.Остров Нарген - это остров в Финском заливе, недалеко от Таллина. Сейчас он почти не заселен. Перед зрителем ряд избушек, засыпанных снегом. Бушующее холодное море и человек, тянущий лодку к берегу. Место уединенное и имеющее свою прелесть. За домами расположен хвойный лес, которым покрыт островок.Музеи мира
Закат в зимнем лесуЮлий Клевер, 1904Частная коллекцияКартина почти сказочная. Называется "закат", но заходящее солнце скорее напоминает луну...Ее сложно рассматривать с точки зрения реального сюжета. На небольшой лесной речушке видна лодка, в которой сидит человек. В отдалении избушка, дым из трубы, напоминает, что пора бы поторопиться домой. Над березами кружатся птицы. Все вместе создает мистическое ощущение.Музеи мира
